Cet ouvrage a été écrit par Rodolphe Rimelé, un ingénieur spécialisé dans les réseaux et les applications. Il est le cofondateur d’ « Alsacréations.com - Une communauté d’apprentissage sur les standards du web ». On trouve sur ce site des tutoriels, des quizz, un forum, des références de livres, et même des offres d’emplois. Le fondateur d’Alsacreations.com est Raphaël Goetter, qui a lui-même écrit la préface de ce livre.

« HTML5 – une référence pour le développeur web » est un ouvrage complet. Tous les éléments essentiels d’un site en HTML5 y sont traités. Chaque balise ou chaque attribut est expliqué. Une présentation d’un élément contient le plus souvent un texte explicatif, un tableau exposant les différentes propriétés de l’élément, et des exemples. Ces exemples sont des lignes de codes HTML, permettant au lecteur de visualiser la place de l’élément dans une structure HTML. En plus de cela, des lignes de code CSS sont également présentées. Le CSS est un autre langage qui permet de donner du style à la page, ce qui la met en forme. Des illustrations sont ajoutées dans certains paragraphes, notamment dans ceux traitant des images ou des formulaires de contacts. Ainsi, le lecteur est face à ce que l’auteur explique. Tous les éléments pour le guider lui sont présentés.

En plus de son guide pas à pas, ou plutôt balise par balise, cet ouvrage ne traite pas seulement de l’HTML5. En effet, l’auteur explique comment le HTML5 a vu le jour, et comment fonctionnaient les sites web avant sa création. Ainsi, un historique d’internet est présenté. D’autres langages sont également abordés comme le JavaScript, le langage qui permet de créer l’interactivité dans une page web, ou le SQL, langage qui permet de gérer les bases de données.

Mais surtout, l’auteur explique comment publier un site en ligne. Cette dernière étape de la création d’un site internet n’est pas la plus évidente.

Ainsi, Rodolphe Rimelé présente un ouvrage sur le HTML5, mais pas seulement. Il aborde d’autres parties importantes du web, place le HTML5 dans son contexte, et permet au lecteur de comprendre tout le cheminement d’un site internet.

En plus de tout cela, ce livre possède des annexes en lignes. Ainsi, des exemples de lignes de codes peuvent être retrouvées sur internet afin d’en voir directement le résultat en ligne.

Cet ouvrage est l’outil parfait pour toute personne souhaitant comprendre et/ou créer son propre site internet. Avec humour, l’auteur parvient à expliquer avec facilité les bases d’une page web, qui pourtant, quand on en lit le code, ne nous paraît pas si facile.

Natacha Doiselet

Cependant la réalisation de ces œuvres souvent monumentales n’est pas à la portée de tous, pour un résultat optimal l’utilisation d’un matériel plus sophistiqué  est obligatoire. L’apparition de boites et de collectifs était donc a prévoir.

Le vidéo mapping est une animation visuelle projetée sur des volumes, des structures en relief, ou créer un univers à 360°. L’utilisation de logiciels spécifiques souvent développés par ces boites et collectifs, permet de reproduire les volumes, et de créer une image à l’échelle qui adhérent presque parfaitement aux surfaces ou lieux choisis.

Les vidéos projecteurs classiques ne sont pas à la mesure de ces projections monumentales. Des normes en termes de luminosité sont a respecter, cette luminosité est mesurée en lumens ; un vidéo projecteur classique est  a 2-3000 lumens alors qu’un projecteur professionnel est de plusieurs dizaines de milliers de lumens. Certaines installations fonctionnent tout de même en multipliant le nombre de projecteurs. Cependant une luminosité importante permet de couvrir une plus grande surface, avec une distance maximale du projecteur.

Malgré ces contraintes financières et technologiques beaucoup de ces œuvres ont vu le jour ces dernières années. Des groupes d’artistes et créateurs multimédia s’unissent pour donner à voir des créations de plus en plus étonnantes qui transforment les lieux en illusion totale.

Comme AntiVJ qui est un label créé par un groupe d’artistes européens dont les réalisations sont concentrées sur l’utilisation de la lumière projetée et du son et leurs influences sur notre perception.

Pour présenter ce groupe il est une œuvre qui s’intitule « O (Omicron) » de Romain Tardy et Thomas Vaquié, réalisée en 2012, a Wroclaw en Pologne, dans une Hall centenaire possédant un dôme de 65 m de diamètre en béton Armé.

Cette œuvre se base sur la notion de perte de repère et du sens du temps dans une architecture chargée d’histoire. Ils ont voulu créer une vision d’un avenir sans référence de temps précise. Cette œuvre transcende la réalité par une réalisation technique et technologique d’une grande qualité.

La seconde œuvre présentée est très différente et fait appel à une autre vision du video mapping. « What is up? » est une projection sur une maison hollandaise du centre ville d’Enschede, durant le Festival international d’art « Grenswerk » le 25 septembre 2010. Créée et réalisée par Thorsten Bauer, Max Goergen et le groupe URBANSCREEN.

Cette création se démarque des autres par son visuel absurde qui nécessite certaines techniques pour la production de l’image.

La maison entière est transformée en une énorme pièce tridimensionnelle qui accueille un être humain tout aussi monumental. A l’intérieur de ce cube surréaliste les lois de la physique conventionnelle sont défiées. Cet effet est produit dès la réalisation de l’image par le positionnement d’une camera fixe devant un cube qui lui est en mouvement et à l’intérieur duquel les protagonistes nous donnent a voir l’intimité humaine.

Enfin je vous présente le projet d’une équipe appelé Digital Essence, Paris, nommé ELVAM et toujours en cours de développement, il désire rendre accessible le vidéo mapping a tous.

Grâce a la mise au point d’un logiciel appelé HeavyM possédant deux fonctions : capter les éléments principaux du son proposé et interagir avec le visuel que le logiciel va traiter en créant des facettes correspondant aux éléments 3D sur lesquelles elles seront projetées.

L’équipe conceptrice souhaite proposer un kit hardwaer softwaer composé d’un logiciel adéquate, d’un vidéo projecteur, d’une carte son et d’un contrôleur externe qui permettra d’interagir en temps réel. Enfin ce logiciel serait relié à une sorte de base de données que les utilisateurs pourraient alimenter.

Cette  combinaison paraît prometteuse ; aura-t-elle un tarif accessible à tous ?

Générique de fin du cartoon Looney Tunes, par la Warner Bros

Pourquoi l’animation fascine-t-elle ? Sans doute par son côté magique et improbable, qui lui permet de donner vie à tout ce qui est inanimé : des dessins, des marionnettes, du sable, de la pâte à modeler…

Comparable à une forme d’illusionnisme, l’animation n’est pourtant qu’une succession de dessins qui génère un mouvement. La cadence de projection du cinéma étant de 24 images par seconde, il faudrait, pour reconstituer une seconde de mouvement, 24 dessins.

Suivant cette logique, le nombre de dessins qu’il faudrait pour faire un moyen métrage ou même un épisode de 13 minutes en dessin animé serait alors considérable. Pourtant, à force de pratique, il a été remarqué que seuls les mouvements rapides nécessitent beaucoup d’information (donc énormément de dessins) afin que l’œil et le cerveau reconstituent une continuité souple dans le mouvement. De ce fait, l’utilisation du double dessin (même dessin exposé deux fois à la suite) permet de réduire le nombre de dessins par deux mais aussi de garder une certaine fluidité dans le mouvement.

Avant l’apparition de l’ordinateur, les dessins animés étaient confectionnés sur des celluloïds, feuille de matière plastique transparente sur laquelle était dessinée puis peinte la pose d’un mouvement d’un personnage. La transparence des cellulos permettait alors d’appliquer le personnage sur un décor et d’assembler les deux images pour n’en faire qu’une.

Betty Boop : bamboo isle. 1932
Dessin animé sur celluloïds

Cette technique, longtemps utilisée par la plus part des studios de dessins animés (Walt Disney, Warner Bros…) et même la publicité ou les séries télévisées, comporte tout de même quelques soucis : la gouache, peinture utilisée lors de la colorisation des décors et des personnages séchait trop rapidement et craquelait. Le gouachage était un travail long et fastidieux, qui prenait énormément de temps de réalisation sur le temps de production d’un dessin animé. Qui plus est, le cellulo n’est pas tout à fait transparent et la superposition des feuilles finissait par atténuer les couleurs réelles des personnages, des décors. Des sautes de couleur et de contraste pouvaient alors se produire quand le personnage se trouvait alternativement sous un, deux ou trois cellulos.

Aujourd’hui, le travail de colorisation, d’animation et même de compositing est nettement simplifié grâce à l’ordinateur et sa panoplie de logiciels spécialisés dans les différents domaines. Depuis le débuts des années 90, le cellulo a petit à petit été abandonné au profit d’une numérisation de l’animation. Ce procédé permet d’automatiser le gouachage et le compositing devient lui aussi informatique, permettant d’avoir des couches illimitées de dessins superposés les uns sur les autres, sans problème d’opacité ou de perte de couleur. Ajoutons à tout ceci l’apparition des effets spéciaux, rendant le dessin animé encore plus vivant.

Celluloïd de Walt Disney

Le travail de compositing est sans aucun doute la tâche la plus ingrate dans l’élaboration d’un dessin animé et ce, quelque soit sa longueur et son moyen de diffusion. Le compositing est la dernière étape avant le montage final du dessin animé et l’intégration de bande-son (doublage et effets sonores). On doit parfois, au compositing, re-animer, re-coloriser, re-cadrer mais aussi anticiper, corriger les erreurs faites en amont mais aussi vérifier et fournir un plan qui s’approche le plus possible de la perfection

Le compositeur est donc à l’affut de la moindre erreur : erreurs d’animation (un personnage qui "slide" au lieu de marcher…), de couleur (la palette couleurs d’un personnage qui change d’un plan à un autre…), de dessin (il manque parfois des éléments essentiels au dessin, comme la bouche, les yeux des personnages…)… De ce fait, le compositeur doit faire attention non pas seulement à la cohérence du plan sur lequel il travaille mais fournir une correction adaptée en cas de besoin.

Le compositing peut donc être comparé à un puzzle : c’est l’assemblage des différents éléments (personnages, ombres, décors, effets spéciaux) pour donner la scène finale. Le compositing informatique permet d’empiler plusieurs calques de dessins les un sur les autres alors que l’exposition manuelle au banc-titre ( support de caméra permettant le déplacement vertical de l’appareil par rapport à une surface plane sur laquelle reposent les originaux à filmer. La caméra peut être soit suspendue directement au dessus de la surface, soit montée sur un système de colonnes) ne permettait la superposition que de cinq ou six cellulos.

Schéma d’un banc-titre

Certains dessins animés vont nécessiter des temps plus ou moins longs de compositing : selon le nombre de niveaux d’animation, de décor, le nombre d’effets spéciaux à réaliser, d’ambiance, de mouvement de caméra…

De nos jours, plusieurs logiciels sont devenus spécialiste du compositing, comme Toon Boom Harmony.

Logo de Toon Boom

Toon Boom Harmony répond aux besoins de la production d’animation numérique basée sur la technique du cut-out ( un personnage en cut-out est fait à partir de plusieurs parties indépendantes, telles que les mains, les bras, la tête, les jambes, les pieds… Ces pièces sont liées ensembles grâce à des points de jointure permettant ainsi l’animation du personnage) et du "zéro-papier", offrant des fonctions de dessin avancées avec le morphing, la cinématique inversée et l’effet de glue, tout en permettant une animation et sa visualisation en direct et la colorisation. Beaucoup de longs métrages d’animation ont été réalisés avec Toon Boom Harmony : The Simpsons Movie, Les Triplettes de Belleville, Looney Tunes : Back in Action, SpongeBob The Movie…

Les Triplettes de Belleville, long métrage d’animation
réalisé avec Toon Boom Harmony, 2003

Le métier de compositeur est un métier peu connu, souvent oublié et mis de coté. Il est pourtant essentiel à la fabrication d’un film d’animation. Le compositing a le mérite d’être la dernière étape avant le montage et mixage d’une animation : il est indispensable et obligatoire.

Anouk Pitat

Ce dernier travail, peut être considéré comme autobiographique dans le sens où l’auteur évoque pour beaucoup ses propres souvenirs et sentiments d’autrefois.
Pour son projet photographique « Teenage stories », Julia Fullerton-Batten, lauréate du Prix HSBC pour Photographie 2007, a été sélectionné selon le critère suivant « travailler sur des représentations du réel, sans exclusive de mode de traitement ou d’approche ».

Dans le monde imaginaire ou réel des jeunes filles de Julia Fullerton-Batten règne une instabilité perpétuelle, reflet de ce passage difficile entre l’enfance et l’âge adulte. Les "teenages" géantes, sont comme posées dans un environnement étrange et onirique dans lequel le temps semble s’être arrêté. Elles deviennent les actrices d’une scène totalement  inventée par l’artiste mais aussi des personnages incarnant des pensées adultes qui ne sont pas les leurs…

Julia Fullerton-Batten fixe ces situations complexes comme des moments uniques, interpellant le spectateur et l’invitant à suivre ses jeunes filles dans une démarche à la fois très personnelle et surprenante.

 
Selon Alain Sayag, l’artiste «provoque le spectateur par une narration esquissée, mais non développée». La série "Teenage Stories" met en effet en doute toute tentative d’interprétation de la réalité, en effet combinant effets d’échelle et perfection technique, les images de Julia Fullerton-Batten perturbent la perception, on ne sait plus réellement qu’est ce qui est "vrai" ou qu’est ce qui est "faux" dans ces clichés . Dans la plupart des œuvres, les jeunes filles au visage impassible peuplent un paysage trop petit pour elles, un peu à la manière d’une Alice au pays des Merveilles, à la fois innocente et objet de peurs.

Julia Fullerton-Batten ne revisiterait elle donc pas les aventures de Gullivert, notamment son "Voyage à Lilliput" dans lequel il se retrouve sur l’île de Lilliput, dont les habitants, les Lilliputiens, ne mesurent qu’environ 15 cm de haut. Ou encore son "Voyage a Brobdingnag" ou là il se retrouve alors dans la situation inverse de Lilliput : tous les Brobdingnagiens sont des géants.

 Une jeune fille traverse une place et marche sur un chewing-gum. Si vous voyez la scène, vous la remarqueriez à peine ou, en tout cas, vous l’oublieriez très vite. Ce n’est pas une catastrophe ni même ce que l’on peut qualifier d’un d’évènement. Et pourtant il n’en faut guère plus à Julia Fullerton-Batten pour nous faire réfléchir à cet état que connaissent toutes les jeunes filles au moment de ce passage difficile entre l’enfance et le monde adultes. Passage semé de doute, d’incertitude mais aussi de remise en question.

C’est un sujet sur lequel l’artiste se sent particulièrement à l’aise. Plusieurs fois associé au motif de la fenêtre, au sens pictural, le thème de l’adolescence devient alors aussi celui de l’incommunicabilité. Julia Fullerton-Batten affirme dans ses images l’impossible représentation de l’état psychologique d’une jeune fille durant son adolescence, malgré tous les artifices que peut nous fournir la photographie. "L’adolescence, cette phase de transition, semble nécessiter un vecteur tenant compte du temps. Tout en sachant pertinemment que ses photos ne sont pas des moments uniques, Fullerton-Batten a réussi à en faire des plans fixes."(1) Elle fait échos parfois a Bernard Plossu, qui semble avoir le don de photographier l’instant où le présent devient mémoire sauf que Fullerton-Batten prend ses propres souvenirs (de son adolescence) et les transforme en images totalement abouties. Elle suscite un véritable questionnement et une profonde réflexion des spectateurs. Elle laisse, volontairement ces derniers, tenter de déchiffrer les ambiguïtés de ses photographies sans les « bombarder » de massages faisant ainsi appel a la réflexion et à la participation de ces derniers. Le travail de Julia Fullerton-Batten peut aussi faire échos a celui de Nan Goldin et ses photographies très proches de l’album de famille, de par la technique mais aussi par les sujets qu’elle aborde. Nan Goldin et ses photographies forment un ensemble singulier où le spectateur se sent « aspiré » dans leur monde. Stereotypes, mémoire collective, histoires dans lesquelles il s’identifie et/ou s’interroge. La photographie de Nan Goldin renvoie le spectateur à ses propres questionnements tout comme les œuvres de la série des "Teenage Stories" de Julia Fullerton-Batten.

Chez cette dernière il y a une part de fraîcheur et de méfiance qui se cachent dans les images. Un silence retentissant remplit chaque photo, comme si tout s’était arrêté lors de la prise de vue. Les jeunes filles si naturels et inoffensivess de part leur jeunesse se retrouvent face à elles-mêmes, leurs postures en témoignent. Chacune de ses photographies jouent avec l’idée de gêne, à la fois du spectateur mais aussi des modeles. D’autre part Julia Fullerton-Batten ne choisit que des jeunes filles anonymes, il n’y a pas de modèles professionnelles. C’est peut être que par l’anonymat une majorité de personnes peuvent  s’ identifier dans ces photographies. L’artiste travaille lentement pour capter les humeurs changeantes de ses modèles au fur et à mesure de leur passage devant l’objectif, puisque en effet son but n’est pas de capter leur physique, à la différence des photographes de mode, mais plutôt leur état d’esprit.
Les photos naissent d’un contraste entre deux attitudes. En effet, selon Francis Hodgson (critique du livre « teenages stories »), "les jeunes filles sont deux choses à la fois: elles sont d’une part des adolescentes, jetées dans un monde nouveau pour elles, étrange, mais elles incarnent d’autre part des pensées d’adultes, qui ne sont pas les leurs – mais celles de Julia Fullerton-Batten en l’occurrence – sur l’état dans lequel elles se trouvent."

Ces œuvres offrent une grande part d’originalité mais sont aussi extrêmement maitrisées. Nous voyons immédiatement que Julia Fullerton-Batten sait très bien laisser des choses non dites, souvent la partie la plus difficile de la photographie. Lorsque nous regardons pendant un moments les photographies de l’artiste nous nous demandons comment les a t-elle réalisé? Photomontage? Retouche numérique? Trucage? Non aucuns artifices! C’est bel et bien par la création de villages modèles que Fullerton-Batten réalise ces clichés qui suscitent tant de questions. Pas de photomontage, pas de photoshop toutes les photos sont des mises en scène.  Toujours selon Francis Hodgson, elle aurait pu obtenir le même résultat, le même effet avec des collages ou en utilisant photoshop, mais dans ce cas la elle aurait perdu tout le réalisme de ces images.

Julia Fullerton-Batten sait prendre une photo. Le cadrage, la lumière, les couleurs, tout est impeccable. Mais ce qui fait de cette allemande  une veritable artiste, c’est la mise en scène, ou comment faire parler les photos. Ses clichés racontent bien plus qu’une histoire, ils développent des concepts.

Pour plus d’informations et pour voir l’ensemble de son travail, voici le lien vers son site:

http://www.juliafullerton-batten.com/small.html

Une autre serie photographique de Julia Fullerton-Batten traite de la relation mères/filles. Des clichés tout aussi surprenant que les "teenages stories". Je ne vous en dis pas plus maintenant c’est a vous d’en juger!! http://www.lense.fr/2012/06/11/julia-fullerton-batten-explore-la-relation-mere-fille/

(1) Extrait du texte de Francis Hodgson, Teenage Stories, catalogue de la Fondation HSBC pour la Photographie, 2007

Marion FRANCESCATTO

Depuis plusieurs années, l’imprimante 3D, cette machine incroyable, est utilisée par les professionnels et est en passe, depuis environ deux ans, de rentrer dans le quotidien de madame et monsieur tout le monde. Mais qui est-elle ? Et quelle est son utilité ?
Certains vont jusqu’à parler d’une troisième révolution industrielle, mais comment un tel objet peut bouleverser nos habitudes de production et de consommation ?
Après des années de stagnation, cette industrie devrait peser 5 milliards de dollars en 2020, selon le cabinet Wohlers Associates.

L’imprimante 3D est une imprimante capable d’imprimer un volume à partir d’un fichier 3D, en superposant des couches de matériau, comme le plastique le plus souvent, qui a été préalablement liquéfié. Une tête bouge pour créer les formes, tant dis qu’un plateau, portant l’objet, se déplace lentement du haut vers le bas au fur et à mesure de l’impression.

Elle est utile dans le cas on l’on voudrait tester la faisabilité d’un projet, la fiabilité d’un objet, observer ses défauts et éventuellement lui apporter des rectifications et améliorations. Utilisée ainsi par les architectes ou les designers par exemple, elle peut générer des prototypes. Des objets versions miniatures.

Le réel avantage pour les industries est celui du coût de production. En temps normal, elles se tourneraient vers la fabrication de moules pour la production d’objets. Mais un moule coûte très cher, il faut ainsi fabriquer un nombre considérable d’objets avec ce dernier pour que la production soit rentable.
Maintenant, grâce à l’imprimante 3D, plus besoin de moule, l’objet 3D généré par un logiciel est ainsi directement créé sans l’aide de moule. Donc inutile de se soucier du nombre d’objets produits, le coût de production ne dépendra plus de ce dernier. Ainsi, un seul objet pourra être fabriqué sans pertes.

Cet outil fantastique a inspiré les architectes. Constructeurs de notre environnement de vie, toujours à la recherche de nouveauté et de modernité.
Janjaap Ruijssenaars, 39 ans, du bureau d’architecte Universe Architecture d’Amsterdam a eu l’idée folle d’utiliser la technologie de l’imprimante tridimensionnelle pour fabriquer une maison.Les éléments traditionnellement construits en béton seraient construits par l’imprimante et assemblés avec d’autres éléments en acier et en verre, qui constitueraient la façade du bâtiment. "Notre ambition est de construire la première maison imprimée", explique Janjaap Ruijssenaars : "Cette imprimante a déjà construit des objets d’art ou des éléments pour des récifs artificiels, mais ce serait la première fois qu’elle serait utilisée pour quelque chose dans lequel on peut habiter."

L’imprimante 3D s’avère être la meilleure solution pour ce projet. En effet cet architecte Néerlandais souhaite que son bâtiment soit en forme de bande de Möbius, une surface qui a la particularité de n’avoir qu’un seul côté, sans réel début ou fin.

Après le plastique, le chocolat ! L’Université d’Exeter, au Royaume-Uni a développé une imprimante 3D capable d’imprimer une sculpture constituée de chocolat.
Les japonais quand à eux scannent un visage, impriment un moule en plastique et font fondre le chocolat à l’intérieur.

Le concept touche même le monde de la mode.
Deux robes créées entièrement grâce à des imprimantes 3D ont été présentées à la semaine de la mode à Paris cette année.
Un rendu impossible en temps normal avec les techniques traditionnelles, qu’on peut trouver plutôt futuriste et presque organique dans les formes.
La créatrice parle même de répercussion de cette méthode sur le prêt à porter dans les années à venir.
Voici une vidéo montrant une robe et les commentaires de la créatrice néerlandaise Iris van Herpen et de la chercheuse du MIT qui a collaboré avec elle, Neri Oxman.

Un vrai phénomène de mode puisqu’elles arrivent dans nos foyers. Avec une qualité inférieure à celles des industriels, des imprimantes 3D à un coût plus raisonnable peuvent être achetées par le consommateur.
Vous rêvez de fabriquer vous même de petits objets ? C’est désormais possible !
Choisissez la couleur de la bobine de plastique et c’est parti !

Autre solution qui s’offre au consommateur, celle d’envoyer un fichier 3D à une entreprise spécialisée dans l’impression 3D ou bien tout simplement le télécharger sur le site de l’entreprise, le paiement se fait en ligne, et le client reçoit directement chez lui son objet. Le succès de cette nouveauté réside dans la personnalisation possible. On choisit tout, de la forme à la couleur. Nous n’avons plus l’objet de « tout le monde » il devient unique et c’est nous qui l’avons « fabriqué ».

Cette formule fonctionne bien, selon le directeur de la société Sculpteo, car ils ont apporté la possibilité pour le client de choisir un fichier 3D parmi de très nombreux modèles créés par des designers. Le client n’a alors plus besoin de s’avoir manipuler les logiciels de 3D puisque sont à sa disposition des modèles prêts à être imprimés. Rien de plus facile alors.

Mise à part tous ces secteurs, la médecine s’est emparée de la machine, qui pourra peut être devenir la machine miracle pour parer à des problèmes liés au secteur de la santé.
Des médecins ont posés la première mâchoire imprimée en 3D sur un patient. «En utilisant des matériaux synthétiques et du phosphate de calcium, le corps peut se régénérer autour et la structure devient presque de l’os», explique Jennifer Lewis.
Grâce à l’action du scanner combiné à l’utilisation de l’impression 3D, les médecins peuvent surtout proposer du sur-mesure pour chaque patient. Plusieurs enfants handicapés peuvent désormais attraper des objets grâce à un exosquelette léger et ultra low-cost développé par l’hôpital Alfred duPont de Wilmington. Il peut facilement être réimprimé à mesure qu’ils grandissent.
Il est désormais possible de créer des tissus humains à partir d’une encre cellulaire.

Le chalenge maintenant est de créer un organe opérationnel. La difficulté réside dans le fait qu’il n’est pas encore possible de créer des vaisseaux sanguins afin de faire vivre les tissus. Pour Shaochen Chen, professeur de nano-ingénierie à l’université UCSD de San Diego «ce n’est qu’une question de temps » «Il n’y a pas de raison scientifique pour penser que c’est impossible. Nous arriverons à un organe complet.»
Une telle avancée pourrait permettre de répondre à une pénurie d’organes dans les années à venir.

Mais l’imprimante 3D ne s’arrête pas là, depuis peu, les scientifiques ont ajouté une 4ème dimension : le temps. Venant s’ajouter aux trois dimensions que l’on connait : la largeur, la hauteur et la profondeur.
L’objet une fois créé pourra évoluer dans le temps, changeant ainsi de forme, en se tordant, en agrandissant ou en diminuant sa taille.
"C’est une idée toute nouvelle dans l’imprimerie. Vous ne vous contentez pas d’imprimer des objets. Vous imprimez des objets qui se transforment en d’autres objets quelque temps après", précise Skylar Tibbits architecte, designer, scientifique et chercheur du MIT.
Pour arriver à créer des objets en 4D, Skylar Tibbits a travaillé avec Stratasys, une société d’impression 3D israélienne.  Cette collaboration pourrait donner naissance à une nouvelle génération d’imprimante.
Pour se transformer, les objets conçus par l’imprimante 4D ont besoin d’énergie. Les prototypes présentés par le chercheur utilisent l’eau comme énergie pour se métamorphoser. Cette quatrième dimension pourrait intéresser le secteur de l’industrie, selon lui. "Les objets pourraient également être activés et se transformer grâce à la lumière, la chaleur, l’électricité ou même le son", note Skylar Tibbits. Comme le note le "New York Times", "si cela devient possible, les objets en 4D pourraient devenir des structures autonomes". "Par exemple, au lieu d’utiliser des pompes pour faire circuler l’eau, les tuyaux pourraient se dilater et se contracter afin de ‘pousser l’eau’."
Les recherches sur l’imprimante 3D ne sont pas prêtes de s’arrêter là.

L’impression 3D signe peut être le début d’une 3ème révolution industrielle mais elle sauve surtout le Made in France puisque qu’elle permettra sans doute une relocalisation de la production, qui réside à l’heure actuelle en plus grande partie en Chine.
Mais on peut s’interroger dès lors sur les conséquences d’une telle invention, qui développera le made in home, en pensant que chacun pourra fabriquer ce qu’il veut…